Pública «A Jesús, por volver a casa y a Teresa, por ayudarlo a volver»
Planteamiento Inicial
Se nos plantea la creación de un proyecto pictórico basado en un ejercicio de síntesis formal y cromática. Teniendo en cuenta, para el diseño de la imagen elementos plásticos como la forma, el color, la materia o la luz.
Materiales elegidos
-Material de estudio “TALLER DE FORMA Y COMPOSICIÓN: MARCO CONCEPTUAL Y CATÁLOGO DE EJEMPLOS”1.
-Diario del artista: Cuaderno DINA4 (160g/m2) para técnicas mixtas Van Gogh.
-Lápices para bocetar
-Paleta plástica para hacer las mezclas.
-Colores Acrílicos Ámsterdam Talens.
-Pinceles N.º 2 de punta redonda, 4, 8, 12, 18 y 24 de punta cuadrada Van Gogh.
-Trapo de algodón.
-Cuenco para agua.
-Espátula para mezclas
– Film de plástico para la conservación de las mezclas
– Pastilla Jabón para la higiene del material
Parte 1: Búsqueda, selección y análisis de referentes.
Como vimos en la PEC 2, el desarrollo y evolución de la humanidad ha influido en el uso del color en la pintura. De igual forma, podemos estudiar, los cambios en el uso de la forma, estructura y composición de las obras1.
En este apartado vamos a realizar un comentario de tres obras que me han parecido relevantes, haciendo hincapié en las variaciones que vemos en cuanto a dichos aspectos, dependiendo de los distintos periodos y corrientes artísticas.
Caminante sobre un mar de nubes. Friederich.
Autor: Caspar David Friedrich (1774–1840)
Título: Caminante sobre un mar de nubes
Año: 1818
Medio: óleo sobre lienzo
Dimensiones: H 980, W 740 mm
Localización actual: Museo Kunsthalle, Hamburgo (Alemania)
Vía: dominio público. Wikimedia commons
Friederich fue uno de los artistas que introdujo el romanticismo en Alemania. Su interés principal era la pintura de paisajes con movimiento, que expresaran sensaciones y en los que a veces mostraba a un ser humano empequeñecido ante esa grandiosidad2.
En el cuadro podemos observar, que la obra se rige por una noción de composición intuitiva, característica del romanticismo. Según Rancillac, activa y caótica como la propia naturaleza.1
Lo primero en que nos fijamos al observar la obra, es la imagen principal en primer plano, un hombre despaldas. Tras él, el fondo del cuadro nos muestra picos montañosos y neblina en el segundo plano. Pero en este caso, el segundo plano no parece menos importante que el primero, ya que es la intención del artista mostrarnos “lo sublime” que aquel hombre está contemplando3. No en vano, los colores del personaje son colores apagados y similares a los del resto del plano.
El equilibrio de la composición es simétrico axial, al encontrarnos con una figura central, alrededor de la que podemos observar el vacío de un lado y a otro y de abajo a arriba. En el resto, se rompe la asimetría, pero muy ligeramente, jugando con la contraposición de pesos visuales, pero cumpliendo siempre la ley de la balanza: igualdad de pesos a cada lado de la figura central. Del mismo modo, se guarda siempre la armonía de la grandiosidad observada, al orientar todas las líneas oblicuas en dirección a la figura principal para darle importancia, como si este fuera el punto de fuga de la perspectiva.
Podemos apreciar el movimiento en el cuadro, al levantar la mirada de los pies del personaje hacia las vistas, vemos como se levanta la niebla en movimientos hacia arriba y nos guía hacia la derecha. A medida que observamos hacia la parte superior y llegamos al cielo podemos ver también, como se funde esa misma neblina en el horizonte, dándole estabilidad a la composición.
Ante el espejo. Morisot
Autor: Berthe Morisot (1841–1895)
Título: Ante el espejo
Año: 1876
Medio: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: H 550, W 460 mm
Localización actual: colección particular
Vía: dominio público. Wikimedia commons
Berthe Morisot se sentía muy limitada por su condición de mujer burguesa. Debido a ella, no la dejaban acceder a los principales círculos académicos de las artes. Sin embargo, y a consecuencia de ello, su pintura es íntima y fuera de las estrictas normas dictadas4.
En esta obra nos muestra a una mujer, desde el punto de vista de otra mujer. Queriendo hacer ver al espectador que, igual que el rostro de la mujer no se muestra en el espejo, la mujer real de la época no se siente reflejada en las pinturas sobre ella realizadas por hombres5.
La composición de la pintura es intuitiva, podemos entrever una simetría dinámica.
Apreciamos a una mujer despaldas en primer plano y en un equilibrio de ligera asimetría, para de esa manera, poder tener mejor perspectiva del reflejo en el espejo. En el resto de la pintura, lo que corresponde al fondo, vemos que se cumple la ley de la balanza, estando igualados los pesos a ambos lados de la figura principal. A la izquierda, un peso mayor, el espejo y un pequeño reposapiés. A la derecha, además de ser hacia donde se desvía el cuerpo de la imagen principal, vemos la silla y el cabecero de la cama. Los colores son vivos y alegres como corresponde a una obra impresionista, resaltando la calidez que transmitan la silla y el marco del espejo.
El movimiento en el cuadro lo apreciamos en el gesto de la mujer, parece que acaricia el pelo con sus manos, de abajo arriba, lo que te lleva a fijar la vista en su reflejo y posteriormente en el resto de la obra.
La ley del horizonte también se cumple en el paralelismo del espejo y el cabecero, dándole estabilidad al fondo sin perder el dinamismo de la imagen principal.
El espíritu de la casa: Naturaleza muerta con gato. Macke.
Autor: Auguste Macke (1887–1914)
Título: El espíritu de la casa: Naturaleza muerta con gato
Año: 1910
Medio: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: H 690, W 740 mm
Localización actual: Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (Alemania)
Vía: dominio público. Wikimedia commons
Macke fue un expresionista alemán al que le gustaba poner a sus cuadros un exuberante colorido6. Formo parte del movimiento Der Blaue Reiter, fusionando las vanguardias de la época a su antojo.
En el primer plano, podemos ver al gato, como el mismo dice en el título de la obra, el espíritu de la casa y de esta pintura. Es el que carga el protagonismo, lo primero en lo que nos fijamos en la obra, que sigue una composición intuitiva y un esquema asimétrico.
Posteriormente levantamos la mirada y vemos en el segundo plano, un bodegón de distintos objetos cotidianos, flores, fruta, recipientes… que observamos de izquierda a derecha siguiendo las líneas de tensión en diagonal ascendente. Todo ello de colores fuertes y predominantemente cálidos, sobre un fondo más atonal, para que así se ganen más protagonismo.
La organización de los objetos sigue un esquema jerárquico que va desde más fuerte a más débil. Encontramos el mayor peso a la derecha de la composición, en contraposición con el favorecimiento del ojo para el lado izquierdo.
Nos encontramos con una composición en diagonal que es de las de mayor dinamismo. Podemos apreciarlo en el paño arrugado, y la fruta que parece que acaba de salir rodando de ahí, y por supuesto en cómo se pasea el gato por delante de todo. No en vano el artista comentó que “un gato hace alegre cualquier cuadro”.7
Parte 2: Elaboración de bocetos
Para la elaboración de los bocetos me he inspirado en las obras analizadas en el apartado anterior y he intentado jugar con perspectivas y simetrías.
De esta manera, en el Boceto 1 y 2, he realizado una composición más simple y la he ido complicando y ampliando en los bocetos posteriores.
En el Boceto 1 me he basado en una ligera asimetría en la obra, al colocar a el gato en primer plano ligeramente hacia la derecha, sin embargo, el segundo plano es concordante con la línea del horizonte para conseguir una composición estable. Los pesos están repartidos a ambos lados de la obra compensando el peso del gato a la derecha con un par de objetos de menor peso en la izquierda y siguiendo un orden jerárquico. También añadí un pañuelo arrugado buscando efecto de movimiento.
En el Boceto 2, se me ocurrió dibujar como seria la perspectiva desde el otro lado de la ventana, y lo hice manteniendo las condiciones del boceto anterior.
En el Boceto 3 opte por aplicar una composición en diagonal para darle abertura y dinamismo a la obra. Mantuve la compensación de los pesos y añadí más movimiento con una cortina movida por el viento.
En el Boceto 4 se me ocurrió cambiar la ventana por un espejo, como en la segunda obra analizada. En este caso, el objeto extra de movimiento quise ponerlo reflejado detrás del gato, como haciendo ver que eso es lo que está mirando.
Para los Bocetos 5 y 6 mantuve la idea y composición diagonal de los dos anteriores, pero realicé versiones más abiertas a la habitación.
Parte 3: Acrílico y tintas planas
Idea Inicial
Elegiremos uno de los bocetos realizados en el apartado anterior, y realizaremos una obra libre en pintura acrílica. Utilizaremos para ello el lienzo previamente montado e imprimado con imprimación vinílica en la PEC anterior y una paleta de ocho colores aproximadamente.
Referentes
La Naturaleza muerta, es un género pictórico en el que se pueden representar un conjunto de animales, frutas o verduras, flores y toda clase de objetos en un espacio definido.
Dicho espacio, suele ser un espacio cotidianos y caseros, que ayuda a resaltar la composición y distribución de los distintos elementos.
Prácticamente todos los grandes maestros han realizado alguna pintura de este género8. Cada uno aportando su punto de vista y sus diferentes vivencias.
Los movimientos impresionistas, animados a redefinir el arte, harían de estos, su sello de identidad. Experimentaron con formas y colores, dándole libertad al estilo pictórico en el que se enmarcaban sus obras.9
De todos ellos, me gustaría resaltar la naturaleza muerta de Macke y la habitación de Arles de Van Gogh.
Autor: Auguste Macke (1887–1914)
Título: El espíritu de la casa: Naturaleza muerta con gato
Año: 1910
Medio: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: H 690, W 740 mm
Localización actual: Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (Alemania)
Vía: dominio público. Wikimedia commons
Macke pintó su naturaleza muerta de vivos colores para transmitir alegría y vivacidad. Pero al preguntarle a su madre que le parecía, esta le dijo que una “imagen sin vida”.
Fue así, como Macke vio paseando a su gato por el estudio y decidió meterlo en la imagen6, transformando su “Naturaleza muerta” en “El espíritu de la casa”
Autor: Vincent Van Gogh (1853–1890)
Título: La habitación de Arlés
Año: 1888
Medio: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: H 720, W 900 mm
Localización actual: Museo Van Gogh, Amsterdam (Países Bajos)
Vía: dominio público. Wikimedia commons
En su obra “La habitación de Arlés” Vincent Van Gogh, recrea la habitación del que sentía su hogar. Una habitación pequeña, con poca decoración, en la que destaca el uso de una perspectiva deformada que parece hecha con un gran angular10. En la habitación se muestra una ventana, haciendo entrever la conexión con el mundo exterior.
Como en un intento de fusionar estos dos conceptos, he realizado una versión libre de una habitación, basada en la mía propia, pero inventada, desde una composición diagonal, y para otorgarle vida un gato.
Creación de la Imagen de Referencia:
Después de decidir, cual de los bocetos previos realizaría, me puse a la búsqueda de imágenes de referencia.
Las imágenes que os muestro en el collage son, en algunos casos fotografías que he realizado y en otros, imágenes libres de internet, con los que he ido dándole forma a dicha composición.
El gato, principal protagonista, se llama Akira, y es el gato de mi hermano. Se presto muy atento a la fotografía.
La cómoda, es de mi dormitorio, me pareció apropiada por la similitud de colores con Akira y por su estética en general.
Quería que el cuadro expresara movimiento, así que se me ocurrió plasmar algo a lo que estamos muy acostumbrados aquí en Cádiz, el viento. La imagen es libre de la web. La escogí por que me gustaron las cortinas y la ventana, pero también me gusto el color que enseñaban para la composición.
El jarrón y la taza también son imágenes libres de internet. El tema de poner flores me pareció muy propio de las naturalezas muertas, y la taza, también es un guiño a mi hermano que le gusta mucho tomar café.
Me pareció que por pesos visuales faltaba algo en la esquina derecha de la imagen. Una mochila me pareció algo cotidiano y que podría haberse dejado en ese sitio al llegar del trabajo. Así que fotografié una que tenía en casa.
Me encantan los suelos de madera y seguían yendo muy a tono con la composición que me estaba imaginando, así que pensé que sería bonito, versionar un poco el suelo de la habitación de Arles, ya que fue una de mis fuentes de inspiración.
Con ayuda de un videotutorial12 vectoricé las las imágenes, las recorté y las monté sobre mi boceto para empezar a darle forma a mi imagen de referencia.
Al hacerlo, me pareció que la gama de colores era bonita y armónica. Así que, como hicimos en la PEC2, realicé una paleta de 8 colores extraídos de la imagen.
Blanco y Gris para el gato, las cortinas y la pared del fondo, tonos muy neutros, y dos para poder jugar un poco con el volumen.
Tonos marrones: los tres, del mas claro al más oscuro extraídos del gato
Los colores menos predominantes serian: el verde, extraído del jarrón y que me servirá para este, el mar y los ojos de Akira. El azul, del cielo y también lo utilizaré en la taza. Por último, el color tierra de la mochila.
Una vez obtenida la gama de colores, me ayude de blogs de uso libre13 para aprender rellenar los espacios vectorizados en los colores de la paleta.
En esta imagen quiero reflejar la espera de un gato, espera a su dueño, y lo hace en un entorno relajado y doméstico, con las ventanas abiertas dejando entrar el viento fresco para expresar libertad y renacimiento. La taza, con el café preparada también parece que estuviera esperándolo y la mochila en el suelo quiere representar la vuelta a la cotidianidad.
La obra sigue una composición intuitiva, y tiene un equilibrio asimétrico.
Lo primero en lo que nos fijamos es en Akira, el gato, con expresión curiosa. Tras de él, en segundo plano, las cortinas movidas por el viento para otorgarle dinamismo a la obra y sensación de movimiento.
Posteriormente nos fijamos en el fondo, la ventana y la parte baja del cuadro, la cómoda y el suelo.
La habitación, sigue líneas de tensión diagonales que también le aportan dinamismo, como si el punto de fuga estuviera en algún lugar a la derecha, pero fuera de lo representado, dando aspecto caótico a las proporciones.
La ley de compensación de masas de cumple con la ley de la balanza, los pesos he intentado que estuvieran igualados a ambos lados del gato. A la derecha de él, la cómoda más alta, el jarrón con flores y la taza. A la izquierda las cortinas, el borde de la ventana y la mochila.
Por último, he utilizado en el mar del fondo la ley del horizonte para darle estabilidad a la obra.
Proceso del trabajo
Se nos pide realizar este proyecto, sobre el soporte para acrílico entelado e imprimado con imprimación vinílica en la PEC3. Sus medidas son de 73x60cm. Como material pictórico, utilizaremos pintura acrílica y realizaremos una síntesis cromática a los 8 colores elegidos con una técnica de tintas planas14.
La pintura acrílica es una pintura hecha a base de agua a la que se le añade un aglutinante, normalmente acido acrílico. Es una pintura que ha existido durante mucho tiempo, pero que no se empezó a utilizar en bellas artes hasta que se puso de moda en el arte contemporáneo.
Se caracteriza por qué se puede diluir en agua, por lo que podemos utilizarla muy aguada, con textura parecida a la acuarela, pero más cubriente, ligeramente aguada o muy empastada con textura parecida al óleo15.
La técnica del color plano es el resultado de aplicar la pintura sobre la superficie de forma continua, sin gradaciones ni otros efectos del claro-oscuro.
Lo primero que haremos será transferir nuestra imagen al lienzo, en mi caso, saqué la imagen en papel a tamaño real y la transferí con papel carbón. Pero hay otras opciones, como proyectores o mano alzada.
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Fase 1
Daremos la primera capa de pintura acrílica, muy aguada y sin mucho cuidado, con una mancha muy suelta, solo pretendiendo marcar que color va en cada lugar. No nos importa tapar el dibujo porque lo iremos rectificando durante todo el proceso. La capa será poco cubriente y no entraremos en demasiados detalles.
Tener en cuenta:
- la dirección del dibujo a la hora de realizar los trazos.
- Demarcar bien las líneas rectas y curvas
- El lápiz del boceto se difuminará con la pintura
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Fase 2
Intentamos conseguir un color más fiel a lo que buscamos, la pintura será un poco menos aguada e iremos afinando los trazos. El color por tanto será más cubriente, ya que el primer color actúa como una especie de imprimación. Empezaremos a pintar detalles y perfilar mejor las líneas, aunque esas manchas no serán las definitivas.
Tener en cuenta:
- No debemos tener miedo a equivocarnos, nos dejaremos llevar por nuestra intuición.
- La pintura acrílica cubre bastante y siempre podremos rectificar.
- Las mezclas que hagamos deberemos hacerla en bastante cantidad para que no nos falte.
- La pintura acrílica seca muy rápido.
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Fase 3
Por último, damos una capa poco o nada diluida para terminar de conseguir el color plano.
Tener en cuenta:
- Los colores deben de ser lo más parecidos posibles a los de la fase 2 y la mancha debe ser homogénea y correcta en cuanto a forma.
- Especial atención a los detalles y a como queremos que vaya finalizando la obra.
- Las mezclas se pueden conservar en tarros herméticos unos días para poder rematar.
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Los materiales los limpiaremos entre mezcla y mezcla con jabón y agua caliente, para asegurarnos de que no haya contaminación cruzada.
Valoración del Proceso y Conclusiones.
En esta actividad he aprendido como influye la forma, estructura y composición de una obra, no solo en su apariencia, sino en lo que la obra en si quiere expresar.
Me ha encantado poder leer y aplicar estos conocimientos nuevos desde el principio, ideando una composición que fuera equilibrada.
Los bocetos que realicé de esa idea fueron todos en un contexto inexistente, en el que coloqué objetos mediante imágenes de referencia, para poder ayudarme a tener una idea aproximada de como seria la imagen final.
Como hemos comentado anteriormente, para poder conseguir esta imagen aproximada o imagen de referencia, me he ayudado del programa GIMP. He podido aplicar conocimientos de PEC anteriores para cosas que necesitaba como la creación de la paleta de color y el análisis RGB de dichos colores para facilitarme la realización posterior de las mezclas. Me hubiera gustado mostrar la imagen con más detalles, pero me he visto algo limitada por el hardware que tengo actualmente, ya que solo con el ratón es difícil vectorizar detalles pequeños. En este punto, me gustaría darle las gracias a nuestra profesora Marta, por ayudarme a encontrar el equilibrio en el color de la composición final, que varía por ello un poco, de como lo había planteado al principio. Ha sido muy bonito ver como la obra ha pasado de estar solo en mi imaginación a tener una imagen digital y posteriormente al lienzo.
Para la realización de la obra, se nos pedía utilizar pintura acrílica con la técnica de colores planos. Gracias a ello, hemos podido practicar todas las texturas de utilización de la pintura acrílica, desde más aguada a menos aguada, pasando por las tres fases de realización para una obra de colores planos. Me ha parecido muy interesante poder experimentarlo, ya que ha sido mi primera obra con pinturas acrílicas.
Creo que en general el manejo de la técnica se me ha dado bien, he conseguido mezclas con relativa soltura gracias a lo aprendido durante el curso y he sabido conservarlas y evitar contaminaciones cruzadas, para lograr un acabado de la obra lo más limpio posible.
Referencias:
1 San Cornelio G. “TALLER DE FORMA Y COMPOSICIÓN: MARCO CONCEPTUAL Y CATÁLOGO DE EJEMPLOS” UOC. Disponible en: http://disseny.recursos.uoc.edu/recursos/form-comp/
2 Calvo M. “Caspar David Friedrich” disponible en: https://historia-arte.com/artistas/caspar-david-friedrich
3 Fulwood L. “Caminante sobre un mar de nubes. El paisaje sublime frente al personaje de espaldas.” disponible en: https://historia-arte.com/obras/caminante-sobre-un-mar-de-nubes-de-friedrich
4 MVF “Berthe Morisot” disponible en: https://historia-arte.com/artistas/berthe-morisot
5 MVF “Ante el espejo. La mujer no aparece reflejada en el espejo, ni en el arte” disponible en: https://historia-arte.com/obras/ante-el-espejo
6 Calvo M. “Auguste Macke” disponible en: https://historia-arte.com/artistas/auguste-macke
7 Calvo M. “El espíritu de la casa: Naturaleza muerta con gato: Una naturaleza muerta cobra vida al añadirle un gato.” Disponible en: https://historia-arte.com/obras/naturaleza-muerta-con-gato
8 Rodriguez H. “¿Qué es un bodegon artístico?” disponible en: https://www.crehana.com/br/blog/dibujo-pintura/bodegon-artistico/
9 Delgado D. “La importancia de los bodegones en el arte pictórico” disponible en: https://www.muyinteresante.es/cultura/articulo/la-importancia-de-los-bodegones-en-el-arte-pictorico-731564404438
10 El Arte en la mirada “La habitación de Arlés. Vicent Van Gogh” disponible en: https://enclasedehistoria.wordpress.com/2014/06/29/la-habitacion-de-arles-vicent-van-gogh/
11 Programa GIMP disponible en: http://www.gimp.org.es
12 Tutos PC. Videotutorial “Como Recortar o Extraer una IMAGEN en GIMP // ARCHIVOS JPG y PNG – Guardado” disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=hFuYr5acesw
13 Blog Teacupapp “vectorizar imágenes con GIMP” disponible en: http://www.teacupapps.com/blog/diseno-grafico/vectorizar-imagenes-con-gimp
14 Acrílico y Tintas planas. UOC. Disponible en: https://materials.campus.uoc.edu/cdocent/PID_00262250/
15 Ferrando E. Art Tool Kit UOC. Disponible en: http://art-toolkit.recursos.uoc.edu/es/acrilico/
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